Il meraviglioso mondo di Lisa Marie Simmons e degli Hippie Tendencies

Stasera si parla di "Hippie Tendencies". Non di "tendenze hippie" in senso letterale ne di concetto "hippie" di per se. "Hippie Tendencies" è una band che ha l'intento di riflettere nella propria musica valori in cui crede quali, citando la loro biografia "soluzioni pacifiche ai problemi globali, l'energia sostenibile e l'accettazione delle differenze religiose, culturali e sessuali". La band nasce nel 2006 e si forma dall'incontro di quattro musicisti italiani con una cantautrice americana. Marco Cremaschini al piano, Cesare Valbusa alla batteria, Massimo Saviola al basso elettrico, Christian Codenotti alla chitarra acustica e voce e Lisa Marie Simmons, voce portante, autrice dei testi e co - compositrice. Le melodie e i ritmi spaziano da pezzi quali "Wana Wa Africa", che già dal titolo e fin dalle prime note e ritmiche ricorda la grande terra, a pezzi funky/pop, divententi e solari come "Poppy Rock" fino alle sfumature soul/blues di "Shame on You" e alla malinconia di "The Trees", per citare alcuni pezzi che possono rendere l'idea delle molteplici influenze del progetto. I testi hanno approcci diversi e tematiche anche molto distanti tra loro, dal tema dell' immigrazione alla "poca voglia di stare zitti di fronte a certe cose", fino a sentimenti di solitudine - provati nel mezzo di una folla davanti alla quale qualcuno sorride chiedendosene un po' il motivo e dunque... anche l'espressione del desiderio di incrociare una mano tesa. Si parla di ingiustizie, delle logiche del potere e della brama di denaro, mascherate, anche se non così tanto, ma anche di risvegli, prese di coscienza, le domande sull'esistenza che ogni essere umano si fa o potrebbe farsi; si giunge poi a temi pesanti, quali l'orrore degli abusi sui minori e si torna all'allegria con pezzi quali appunto "Poppy rock" in cui in sotanza Lisa si chiede a gran voce "ma perché devi per forza etichettare la mia musica?". Per quanto riguarda i loro album, i tour in Europa e in America, le informazioni più classiche, vi rimando alla loro pagina fb e al loro sito. Ora, l'intento è quello di  parlare con Lisa, il caldo timbro, il centro attorno al quale si crea il mondo degli Hippie Tendencies.

- Lisa dolce Lisa... qualche giorno fa ho visto il video di una tua intervista del 2009 a "Luci della città". Mi ha colpito moltissimo la tua dolcezza, la gioia che si percecisce nel tuo sguardo, il modo in cui parli della musica e dei tuoi ricordi legati ad essa... Parlavi del Colorado, in cui sei nata e nel quale ti sei avvicinata alla musica grazie alla passione di tuo padre e di tuo nonno, un batterista jazz... parlavi del suo locale e dell'ambiente in cui sei cresciuta, con la musica attorno fin da piccolissima... Una meraviglia insomma. Poi il tuo lungo percorso girando per il mondo seguendo sempre, costantemente, la musica. Dal Colorado a New York, dall'Olanda alla Francia fino ai Caraibi e poi l'Italia, che a quanto pare... ti ha rubato il cuore. A proposito di questo, del fatto che qui hai deciso di mettere radici... cosa ti ha colpito così tanto da farti scegliere di fermarti proprio qui, dopo tutti i posti meravigliosi in cui avevi vissuto?

Io amo l'Italia profondamente. Ho cantato in ogni regione, tranne la Sardegna e ho sempre trovato in ogni luogo qualcosa di grande valore. Adoro la realtà per la quale a pochi chilometri da un posto all'altro si possono trovare dialetti diversi e piatti tipici differenti, una cultura unica per ogni luogo. Come in ogni luogo in cui ho vissuto ci sono paradossi. Ci sono cose bellissime, l'antica cultura italiana, l'arte, il cibo, il vino, la bellezza dei paesaggi. Comunque... in ogni posto c'è del bello e del brutto. Tuttavia mi sento a casa qui, c'è un vasto mare di talento artistico in questo Paese e... questo talento, unito a tutte le altre sfaccettature, mi piacciono un sacco e tutto combina per me come un' ispirazione giornaliera, quoditiana. E poi... io sono innamorata di un italiano e i musicisti che formano la mia band sono italiani; siamo diventati davvero una famiglia. Per il momento continuo ad essere ispirata e produttiva musicalmente stando, poi ... se questo dovesse cambiare mi sposterò di nuovo!

- Hippie Tendencies. Il primo album è uscito nel 2010 e porta il vostro nome, il secondo album invece, "Identity", è uscito nel maggio 2014. Da quando hai iniziato questa esperienza con gli Hippie Tendencies, avete attraversato generi musicali d'ogni sorta e tu sei sempre stata l'autrice dei testi. Ho ascoltato pezzi del primo album e del secondo e c'è veramente "una zuppa" - come la chiamavi tu nell'intervista sopracitata - di musiche ed emozioni. Una zuppa delle più buone e sane aggiungo io, è fantastico il tuo paragone con la zuppa perché relazionato alla vostra musica mi fa immaginare veramente una zuppa di quelle che già solo a guardarle ti dicono "mangiami", insomma, è vero, non è come in molti casi in cui ho sentito dire "il nostro gruppo è pieno di generi, è pieno di questo o quello" e poi ascoltando a volte ti dici "ma sono sicuri?". A parte gli scherzi, hai dei musicisti bravissimi e tu sei come un fiore attorno al quale loro girano incantati. Questa è l'impressione che ho, nell'ascolto dei pezzi e sopratutto vedendo i video dei live. Allo stesso tempo, sembra che tra voi ci sia un feeling incredibile, palpabile e che tutti voi siate legati da un filo, l'uno per l'altra. Parlaci di come si sono incrociati i vostri percorsi, di come è iniziato tutto e soprattutto... quando si parla di musica e delle emozioni che ci da' è difficile dare una spiegazione, ma ... proviamoci... come "ti spieghi" tutto questo, come si è creato questo filo, come si è creata questa "zuppa" di emozioni? Penso sia una delle più belle sensazioni da poter sentir descrivere, per me che te lo chiedo e per chi leggerà...

Ho incontrato il pianista Marco Cremaschini quando sono andata da lui per migliorare le mie capacità al pianoforte. Ero frustrata, perché le canzoni che sentivo nella mia testa non riuscivano ad uscivare delle mie dita. Mi sono seduta al suo pianoforte e cantavo, mentre suonavo un paio di canzoni... e mi ha detto: “Mi piace il tuo stile, cerchiamo di mettere insieme una band?”. Così, all'improvviso, è stata la prima cosa che mi ha detto dopo avermi ascoltata. Irresistibile! Mi ha detto che il mio stile andava proprio nella stessa direzione in cui lui e un suo amico bassista si stavano avventurando. La mia prima impressione su di lui è stata altrettanto positiva. Ho pensato che fosse divertente, profondo, gentile e intelligente e sono stata immediatamente attratta dalla sua maestria incredibile con il piano; mi ha subito colpito quanto fosse delicato e allo stesso tempo potente. Il giorno dopo ho chiamato il mio amico Filippo De Paoli (oggi membro dei Plan de Fuga) e gli ho parlato del progetto, chiedendogli se volesse partecipare. Marco ha chiamato Massimo Saviola e Cesare Valbusa e insomma... abbiamo riscotrato un feeling immediato e e abbiamo scritto la nostra prima canzone insieme ("Feel No Pain") nel giro di una settimana. Poi Filippo, che è un grande frontman, ha deciso di dedicare il suo tempo ai "Plan de Fuga", un progetto che stava decollando e, quando lui ha deciso di dedicarsi a questo, abbiamo incontrato Christian Codenotti . Christian è il sound engineer del primo album (e anche del secondo) e anche con lui abbiamo subito sentito un grande feeling, durante la registrazione e il mixaggio dell'album. Si percepiva il suo amore per il progetto ed è stato davvero naturale, spontaneo, chiedergli di unirsi a noi. Per quanto riguarda la nostra chimica... chi... può spiegare questo? Anche se ognuno di noi proveniene da diversi mondi musicali, in un modo che non so spiegare, quando scriviamo insieme, tutte le diverse esperienze si fondono dando vita ad un suono originale ed organico. Abbiamo un grande rispetto l'uno per gli altri e anche questo, sul palco, nei live, si vede, si sente…In più, per così dire, siamo tutti "animali del palco", amiamo il nostro lavoro ed è essenziale per ognuno di noi comunicare al pubblico la profondità delle nostre emozioni, l'essenza che abbiamo cercato durante la scrittura e la composizione di ogni singolo pezzo. L'essere stati in tour insieme in Europa e in America poi, ha certamente contribuito anche al consolidamento del nostro sound e della nostra resa sul palco.

- Parlando del tuo amore per la scrittura... ti piace scrivere anche testi che non siano canzoni, magari prose, poesie o altro? e... le tue letture? quali sono i tuoi autori preferiti parlando di letteratura e/o poesia?

Io sono affascinata dalle parole e dalla forza insita in loro. Sì, io scrivo anche poesie e spoken word. Se ne può trovare alcuni esempi sul sito internet "AllPoetry" con lo pseudonimo "Limarie". Una mia poesia, "Hair" è stata pubblicata in Sud Africa in una raccolta di poesie chiamata "The Long and the Short of it".

L'elenco dei poeti - e ci tengo a precisare che per me molti cantautori sono poeti - e scrittori che ammiro è infinito. Alcune delle mie prime influenze sono state Alice Walker, Maya Angelou, Toni Morrison, C.S. Lewis, Tom Robbins, Tom Wolfe, Isabel Allende, Ani Di Franco, Bob Dylan, Joni Mitchell, James Taylor, Gabriel Garcia Marquez, Angela Davis, Nina Simone, Paul Simon, Stevie Nicks, David Bowie, Gil Scott-Heron, Walt Whitman, Richard Wright, F. Scott Fitzgerald, James Baldwin, James Joyce, Flann O’Brien, Emile Zola, etc. etc. etc. Parlando invece di autori contemporanei direi Dave Mathews, Karen Joy Fowler, Donna Tartt, Anthony Doerr, Zadie Smith, Jonathan Franzen, Jeffrey Eugenides, Dave Eggers, Leonard Cohen, Jonathan Safran Foer e molti molti altri!

- Il cd che hai inciso da piccola, quello che ti ha fatto dire "questo è ciò che voglio fare". Raccontaci qualcosa di questo, in sostanza è stato il momento decisivo, quello che ti ha tolto ogni possibile dubbio no? un passaggio fondamentale per te... L'album su cui ho cantato da piccola era un coro di bambini di cui facevo parte e per me è stato un onore poter avere un assolo tutto mio in quel contesto e.. si, quel momento, così come la mia prima volta sul palco, di certo è stato un momento cruciale. E' stato allora che ho scoperto quanto per me fosse naturale il dediderio di comunicare il messaggio delle canzoni al pubblico. Il rapporto, lo scambio incredibile che si crea tra il performer e il pubblico mi ha incantato. Anche se per un po' sono stata indecisa tra recitazione e canto, dentro di me sapevo che in ogni caso avrei lavorato con le parole, amavo stare sul palco e adoravo il potere curativo della musica.

A casa mio padre ascoltava molto jazz e mia madre ascoltava musica folk americana, così le influenze sono state varie. Mia madre ci leggeva libri e passavo la maggior parte delle serate così, con l'infiammarsi dell'immaginazione, amando sempre più le parole e spesso, tutti riuniti cantavamo i pezzi gli album dei miei genitori, imparando e analizzando ogni parola dei testi.

- Ora siete in tour con il nuovo album... le ultime novità riportano un live il 5 Marzo in Austria, il 13 Marzo a Verona, poi di nuovo all'estero il 09 e il 10 maggio a Chicago e così via... (tutte le date e i dettagli sul sito - ndr). Siete delle trottole insomma, cosa ti piace di più dei vostri viaggi, al di la' del live che andate a fare, parlo proprio del viaggio in se, tu e i tuoi musicisti verso mete sempre così diverse l'una dall'altra.

Beh, una volta mentre eravamo in partenza per un tour in Italia e in Francia, Marco ha detto: “Eccoci qui! andiamo verso un'altra avventura!” Questo è esattamente lo spirito dei nostri viaggi, sono una meravigliosa avventura senza fine. Non si sa mai cosa troveremo, anche parlando del pubblico; ogni pubblico è diverso e rende ogni concerto differente, tenendolo il live sempre fresco ed emozionante.

Visto che siamo, come ho detto, un po 'come una famiglia, passare del tempo sulla strada insieme assomiglia proprio a ciò che succede in una famiglia appunto; ci facciamo un sacco di scherzi, litighiamo e poi facciamo la pace, ci godiamo il paesaggio che attraversiamo, il cibo, la gente. Amo scrivere mentre siamo in viaggio, alcuni dei nostri pezzi sono nati proprio in questo modo. "Woke Ui" è stato scritto, in sostanza, a partire da un'idea di Massimo che abbiamo sviluppato dopo un concerto a Firenze seduti ai bordi del palco del teatro vuoto.. Assolutamente, il fuoco della nuova idea, molto spesso è alimentato da un' esperienza avuta on the road.

- Avete avuto grandi, eccellenti soddisfazioni, questo è certo ma... visto che sappiamo qual è... cosa pensi della situazione discografica italiana?

In generale vivere di musica è straordinariamente difficile e richiede una quantità enorme di energia e convinzione. Il business della musica è cambiato in tutto il mondo, con l'avanzamento della tecnologia e di internet, sotto certi aspetti in modo positivo e sotto altri punti di vista in modo molto meno costruttivo. Ci sono molto più musicisti rispetto a un tempo e in Italia, come in altri paesi, c'è un monopolio su ciò che le stazioni radiofoniche scelgono di trasmettere. Il pubblico è sottovalutato e molte Major credono che le persone richiedano poca sostanza; quello che arriva alle masse non si avvicina minimamente a rappresentare il vasto numero di belle canzoni e bravi musicisti che ci sono in Italia e nel mondo di oggi. Noi abbiamo la fortuna di essere con l'etichetta indie Alfa Music, che ci rispetta e promuove la nostra musica senza cercare di etichettarci in nessun modo.

- Un ultima domanda, pura curiosità... stai già scrivendo altri pezzi? e "Identity", dal tuo punto di vista, cosa pensi abbia in comune con il primo album "Hippie Tendencies" e cosa invece pensi ci sia di particolarmente diverso... Ma certo! Scrivo sempre! Mentre stavamo scrivendo e registrando "Identity” ho scritto anche un altro album via skype con i miei amici Lisa Bell e Bob Story, intitolato "The ItalianProject". I ragazzi della band hanno partecipato anche a quel progetto e Lisa Bell tornerà in Italia questa estate e presentiamo alcuni di questi brani insieme a noi. Ho anche un progetto parallelo con mio fratello, un grande cantante... e non lo dico solo da sorella orgogliosa, è la verità! Mio fratello si chiama Miles Simmons e il progetto è "The Downbeat Trio". Sto scrivendo canzoni per questo progetto, così come scrivo e collaboro anche con il suo altro progetto, la " Miles Simmons e The Granny Says Band", con favolosi musicisti Simone Boffa, Henry Sauda, Arcangelo “Arki” Buelli, e Giorgio Marcelli

E poi ancora, Marco ed io abbiamo un altro progetto del quale siamo molto entusiasti; è di un genere completamente diverso risetto agli "Hippie Tendencies". Si incentra su "spoken word" con musica. Poi scrivo per altri cantanti e naturalmente sto scrivendo anche nuovi pezzi per gli HT. Seguendoci su Facebook o tenendo d'occhio il nostro sito, si può sapere naturalmente, riguardo a tutti i progetti in corso e al loro sviluppo.

Per quanto riguarda le differenze e i punti in comune tra i due album... direi che “Identity” riflette la nostra crescita come musicisti e come band ed è forse più sofisticato in qualche modo rispetto al primo album. Il punto in comune più evidente invece, riguarda certamente le tematiche, quello che vorremmo trasmettere e il nostro approccio rispetto a questioni delicate. Poi beh... naturalmente lascio al pubblico il giudizio finale!

Grazie Lisa per averci presentato il tuo mondo e i migliori auguri per tutto!

Link:  

Hippie Tendencies - sito ufficiale

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Hippie Tendencies - YouTube

Hippie Tendencies - Soundcloud

La meravigliosa arrabbiatura di Dante ne "Il Convivio" e il suo amore per la lingua italiana

Introduzione dovuta, per coloro che non sapessero - o non ricordassero - di quale opera si sta parlando. "Il Convivio" è un'opera scritta da Dante agli inizi del suo esilio, intorno al 1304-1308, ed è un'opera mista di versi e prosa. Il titolo, "Il Convivio" significa letteralmente "il banchetto" poiché Dante intendeva trasmettere ai lettori la sua sapienza attraverso canzoni (nel loro significato etimologico) e commenti in prosa, nella sua immagine, rispettivamente, "vivande" e "pane". Già questo è spettacolare. E' un'opera incompiuta, inizialmente Dante aveva in progetto di scrivere quindici trattati in prosa volgare, uno introduttivo, altri quattordici trattati di commento e altrettante canzoni dottrinali, composte anche negli anni precedenti all'inizio di quest'opera. Lo ha lasciato però al IV, si pensa per dedicarsi alla Divina Commedia. Le argomentazioni sono filosofico-dottrinali, anche perché con quest'opera Dante avrebbe voluto dimostrare la sua maestria letteraria e la sua sapienza, creando una grande opera enciclopedica, per riscattare la sua condizione di esule. Al tempo stesso, sceglie l'utilizzo del volgare, per essere più vicino alla gente, perché lo ama e perché è talmente grande che nel I trattato dice di essere solo "ai piedi dei veri sapienti", dunque di essere un raccoglitore delle briciole di questi grandi e di avere l'intento di condividere le proprie stesse scoperte. La meraviglia assoluta. Il problema di molti giovani con Dante, ho sempre pensato, è che gli viene proposto a scuola in modo tanto didattico ma poco emozionale e dunque a scuola si studia che ha fatto le tali opere, nei tali periodi, se si hanno buoni libri di testo c'è un accenno al significato più profondo, ma solo se si è molto fortunati si trovano insegnanti che sanno trasmettere (così come per tutta la letteratura in realtà) il vero senso e la vera grandezza di questo poeta. Non è nemmeno detto che sia "colpa" degli insegnanti (molti sono bravi, non sto dicendo questo), ma piuttosto... è colpa dell'abitudine, del modo in cui è sempre stato presentato, del dato di fatto  che anche gli insegnanti più bravi, spesso si ritrovano a usare più "il metodo" che l'anima. Questo però è un altro discorso, torniamo all'opera. "Il Convivio". Qui vi ripropongo l'undicesimo capitolo del primo libro, con vari commenti esplicativi tra parentesi. Tenete sempre presente, mentre leggete, che colui scrive, Dante, ha scritto queste cose nel '300 (sembra scontato dirlo ma non lo è!) e provate a pensare e a sentire... quanto tutto ciò che scrive sia vicino a noi, pensate a quanto lui vedesse oltre il tempo, oltre lo spazio, oltre tutto. Si parla proprio del volgare, il nostro volgare, la lingua italiana... e la protesta, la meravigliosa arrabbiatura che Dante esprime, verso coloro che non la sanno apprezzare. Mi ricorda qualcosa di attuale... a voi no?!?

"A perpetuale infamia e depressione de li malvagi uomini d'Italia, che commendano lo volgare altrui  (apprezzano, raccomandano) e lo loro proprio dispregiano (dunque disprezzano), dico che la loro mossa viene da cinque abominevoli cagioni (ragioni). La prima è la cechitade di discrezione (l'incapacità di valutazione e di poter dunque fare scelte corrette); la seconda, maliziata escusazione (semplicemente, presuntuose scuse); la terza, cupidità di vanagloria (desiderio di vuota gloria); la quarta, argomento d'invidia; la quinta e ultima, viltà d'animo, cioè pusillanimità (pusillanime è colui che è piccolo d'animo, che ha poco coraggio e poca volontà).

Sarà bene se ci limitiamo alle ultime tre "abominevoli cagioni".

La terza setta contra nostro volgare si fa per cupiditate di vanagloria. Sono molti che per ritrarre (esporre) cose poste in altrui lingua e commendare quella, credono essere più ammirati che ritraendo quelle de la sua. E sanza dubbio non è sanza loda d'ingegno apprendere bene la lingua strana (straniera); ma biasimevole (incromprensibile) è commendare quella oltre a la verità, per farsi glorioso di tale acquisto.

La quarta si fa da uno argomento di invidia. Sì come è detto di sopra, la invidia è sempre dove è alcuna paritade (emulazione). Intra li uomini di una lingua è la paritade del volgare; e perché l'uno quella non sa usare come l'altro, nasce invidia. Lo invidioso poi argomenta, non biasimando (capisce, in questo caso ne comprende l'amareggiamento) colui che dice di non saper dire (dunque che non conosce la lingua straniera), ma biasima (dunque non capisce) quello che è materia della sua opera (non capisce l'importanza e la bellezza dell'italiano), per tòrre (togliere), dispregiando l'opera da quella parte, a lui che dice (l'autore oggetto d'invidia e che utilizza ed apprezza la propria lingua) onore e fama; sì come colui che biasimasse lo ferro d'una spada, non per biasimo da dare al ferro, ma a tutta l'opera del maestro.

La quinta e ultima setta si muove da viltà d'animo. Sempre lo magnanimo si magnifica  in suo cuore (si stima, intimamente), e così lo pusillanimo, per contrario, sempre si tiene meno che non è (si sminuisce, in modo eccessivo). E perché magnificare e parvicare (sminuire) sempre hanno rispetto (si riferiscono) ad alcuna cosa (a qualcosa), per comparazione a la quale (rispetto alla quale) si fa lo magnanimo grande e lo pusillanimo piccolo, avviene che 'l magnanimo sempre fa minori lì altri che non sono, e lo pusillanimo sempre maggiori. E però che (siccome) con quella misura che l'uomo misura sè medesimo, misura le sue cose, che sono quasi parte di sé medesimo, avviene che il magnanimo le sue cose sempre appaiono migliori che non sono, e l'altrui men buone: lo pusillanimo sempre crede le sue cose valere poco, e l'altrui assai. Onde molti (per questo molti) per questa viltade dispregiano lo proprio volgare, e l'altrui pregiano: e tutti questi cotali sono li abominevoli cattivi d'Italia (abbietti, spregievoli) che hanno a vile questo prezioso volgare, lo quale, s'è vile in alcuna (in qualcosa), non è se non in quanto elli suona ne la bocca meretrice di questi adulteri (nella bocca puttana di questi traditori)".

Eternità

Le Tempeste degli Scrittori,

I Sussulti dei Poeti,
La sorprendente Crescita del Cielo,
I Colori dei Musicisti,
L'alta Luce dell'Amore,
Il Tatto della Terra,
Il Puro Significato di Ogni Istante.
Questo è ciò che importa. Qui. Ora.


(born in English, with Italian title)


The Writers' Storms,
The Poet's Jolts,
The Sky's startling Growth,
The Musicians' Colors,
The lofty Light of Love,
The Touch of Earth.
The Pure Meaning of Each Moment.
This is what matters. Here. Now.

La meravigliosa storia di ... "Riturnella"

"Riturnella". Alcuni traducono questo termine calabrese accostandolo come sinonimo a "rìnnina" e traducendole con "rondine" o "rondinella". Facendo ricerche però, si scopre che colui che ha riportato alla luce questo brano popopolare calabrese, negli anni '70, vale a dire il prof. Antonello Ricci, ritiene che il termine "Riturnella" sia intraducibile in quanto "inserto nonsense". "Rìnnina" però, significa comunque "rondine"  e nel testo è il termine "rìnnina" a farla da padrone. Ci sono molte traduzioni e versioni di questa lirica, anche se si ritiene che la più fedele sia quella appresa dal professor Ricci da Mariangela Pirito, una "ancient" signora. Non è un caso che io riporti il termine in inglese, in italiano sarebbe più sensato dire "vecchietta" o "vecchia signora" perché dietro a questo termine, come in inglese o in francese, c'è "la storia"; si dice "i nostri vecchi del paese" quando si parla di storie, di ricordi... "se vuoi saperlo, devi chiederlo ai vecchietti in paese!", "i nostri vecchi, loro si che sanno". Invece è luogo comune pensare che il termine "vecchio" sia un'offesa. In realtà non lo è, non che io sappia. L'etimologia del termine "vecchio" è una rivelazione in se. "Vecchio" o "Veglio" significa non solo "che ha molti anni". Qualche ricerca su internet rivela: "Dicesi degli esseri organizzati, che dal nascere al morire corrono più stadi o gradi di vita". Dunque la storia, l'esperienza, i ricordi, le cose che "solo se sei vecchio puoi sapere" e "solo se te le tramanda un vecchio" sopravvivono. Il termine "anziano" invece è certo indicazione di una persona con maggiore esperienza, maggior dignità e autorità rispetto ad altre, sempre pensando all'etimologia della parola, ma la radice "ante" ovvero "avanti" unito a "anus", in latino "vecchio", mi pare si concentri più sull'avanzare del vecchio, più che sulla sua storia, dell'avanzare del passo lento o del suo avanzare e basta. Tutto opinabile, anche perché non sono etimologa, non ho studiato latino e questa mia sensazione viene dall'insegnamento di qualcuno che me lo fece notare. Resta il fatto che il termine "vecchio", al di la' degli insegnamenti ricevuti, mi sembra avere più sapore e colore. Perché allora non ho subito usato il termine "vecchia", "vecchietta" ed ho introdotto il termine in inglese?  perché "ancient" in inglese non è solo indicativo di una persona avanti negli anni, vecchia, anziana o quello che preferite; il termine "ancient" si usa anche quando si parla di rarità storiche, di cose preziose, di storie narrate, della storia di un individuo così come della storia in se. Tutto questo discorso, partito dalle mie dita senza alcun filtro, ha allungato di molto quel che doveva essere inizialmente la mia idea di introduzione a "Riturnella". Il fatto è che tutto ha un senso e se le mie dita sono partite "senza filtro" c'è un motivo. "Riturnella", torniamo a lei, anche se ancora di lei stavamo parlando in realtà. Lei. L'ho chiamata "Lei". Mi accorgo pochi secondi dopo averlo scritto, di aver scritto quello che ho scritto (scusate il gioco di parole, ma notare i dettagli è istintivo per me). "Riturnella" è un canto popolare calabrese e risale al periodo del primo dopoguerra, dunque agli inizi del '900, in cui milioni di italiani andavano in cerca di lavoro, perlopiù in america, per avere qualche speranza in più, perché in Italia tutto era stato distrutto, mentre in america c'era molta richiesta di manodopera... "Riturnella" è la storia dell'inimicizia tra "lavoro" ed "amore" diffusa in quei tempi, poiché il lavoro portava lontano dagli affetti... dai genitori, dai figli, dal proprio compagno o compagna di vita. E' una storia d'amore, è la storia di una donna e del suo amore lontanto, è la storia della sua premura, della "rìnnina", simbolo di tristezza e speranza insieme. Il tutto, in parole e musica. Vi propongo sotto il testo in dialetto per intero e una traduzione (volutamente un po' scremata delle ripetizioni tipiche del dialetto e non suddivisa nella forma originale, un po' parafrasata in sostanza, ma solo per mettere ulteriormente l'accento sulla storia). Ovviamente... ve ne consiglio vivamente l'ascolto. E' stato Eugenio Bennato a renderla nota ai più, con il suo "Musicanova" pubblicato nel 1978 ed è sua la versione che troverete nel video, con un testo leggermente differente da quello considerato come originale, per la diversa scelta di alcuni termini dialettali. Volendo, se vi interessa approfondire la lirica in se, la composizione del testo, potrete trovare informazioni interessanti facendo altre ricerche. Questo mio articoletto però, vorrebbe concentrarsi di più su tutto ciò che questo brano può significare, su tutta la storia che c'è dietro e su cosa possa significare anche per noi oggi.

La traduzione:

Tu, rondine che vai
Per mari e mari
Oh rondinella
Tu, rondine che vai
per mari e mari...
Ferma, quando ti dico
due parole, o rondinella,
ferma, quando ti dico due parole.
Corri a gettare il sospiro a mare
e guarda se mi risponde.
Guarda se mi risponde il bene mio...
Non mi risponde, no,
è troppo lontano,
oh rondinella, non mi risponde...
è troppo lontano.
E' sotto una frescura
che sta dormendo, o rondinella,
poi si risveglia con
il pianto agli occhi...
Si asciuga gli occhi
e gli passa il pianto, o rondinella.
Si asciuga gli occhi... e gli passa il pianto.
Prendigli il fazzoletto,
vado a lavarlo, o rondinella,
poi lo stendo a una pianta di rosa
e poi lo mando a Na,
lo mando a Napoli a stirare, o rondinella.
Poi te lo piego alla napoletana,
te lo piego alla napoletana, o rondinella.
E poi te lo mando col vento a portare
o rondinella, te lo mando a portare col vento.
Vai vento e portaglielo...
Vai vento e portalo al mio bene.
Attenta che non ti cada,
attenta che non ti cada
sopra il mare o rondinella,
che perdi i sigilli di questo cuore,
o rondinella...
che perdi i sigilli... di questo cuore.


Il testo originale:

Tu rìnnina chi vai
Tu rìnnina chi vai
Lu maru maru
Oi riturnella
Tu rìnnina chi vai lu maru maru

Ferma quannu ti dicu
Ferma quannu ti dicu
Dui paroli
Oi riturnella
Ferma quannu ti dicu dui paroli

Corri a jettari lu
Corri a jettari lu
Suspiru a mari
Oi riturnella
Corri a jettari lu suspiru a mari

Pe’ vìdiri se mi rišpunna
Pe’ vìdiri se mi rišpunna
Lu mio beni
Oi riturnella
Pe’ vìdiri se mi rišpunna lu mio beni

Non mi rišpunna, annò
Non mi rišpunna, annò
È troppu luntanu,
Oi riturnella
Non mi rišpunna, annò, è troppu luntanu

È sutt’ a na frišcura
È sutt’a na frišcura
Chi sta durmennu
Oi riturnella
È sutt’a na frišcura chi sta durmennu

Poi si rivigghja cu
Poi si rivigghja cu
lu chjantu all’occhi
Oi riturnella
Poi si rivigghja cu lu chjantu all’occhi

Si stuja l’occhi e li
Si stuja l’occhi e li
Passa lu chjantu
Oi riturnella
Si stuja l’occhi e li passa lu chjantu

Piglia lu muccaturu
Piglia lu muccaturu
Lu vaju a llavu
Oi riturnella
Piglia lu muccaturu, lu vaju a llavu

Poi ti lu špannu a nu
Poi ti lu špannu a nu
Peru de rosa
Oi riturnella
Poi ti lu špannu a nu peru de rosa

Poi ti lu mannu a Na
Poi ti lu mannu a Na
puli a stirare
Oi riturnella
Poi ti lu mannu a Napuli a stirare

Poi ti lu cogliu a la
Poi ti lu cogliu a la
Napulitana
Oi riturnella
Poi ti lu cogliu a la napulitana

Poi ti lu mannu cu
Poi ti lu mannu cu
Ventu a purtari
Oi riturnella
Poi ti lu mannu cu ventu a purtari

Ventu và portacellu
Ventu và portacellu
A lu mio beni
Oi riturnella
Ventu và portacellu a lu mio beni

Mera pe’ nun ti cara
Mera pe’ nun ti cara
Pe’ supra mari
Oi riturnella
Mera che nun ti cara pe’ supra mari

Ca perda li sigilli
Ca perda li sigilli
De chistu cori
Oi riturnella
Ca perda li sigilli de chistu cori.


 La versione di Eugenio Bennato (1978):

The Miracle

You know, you're a Miracle to me,

every night, every day, you know, I pray,
I pray our God, for He keeps beside you
two of His angels, to protect you,
to help you, for ever.

You know, you're a Miracle to me,
we saw, we lived, horrible scenes,
but now you're smiling,
you can! You can smile!

"I've seen things you people wouldn't believe"
but now this is a miracle,
and you're smiling, you can smile.

I pray, I pray, I pray,

because the peace falling in love with your heart,
because the peace falling in love with your soul.

You're a Miracle, you know,
you're a Miracle, to me,

you can smile, you can smile,
now you know, how to do.
_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ __  _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

Sai, sei un Miracolo per me,
ogni sera, ogni giorno, sai, io prego,
io prego il nostro Dio, perché tenga accanto a te
due dei suoi angeli, per proteggerti,
per aiutarti, per sempre.

Sai, sei un Miracolo per me,
abbiamo visto, abbiamo vissuto, scene orribili,
ma ora stai sorridendo,
puoi! puoi sorridere!

"Ho visto cose che voi umani non potreste immaginarvi"
ma ora si tratta di un Miracolo,
e tu stai sorridendo, sai sorridere.

Io prego, io prego, io prego,

perché la pace si innamori del tuo cuore,
perché la pace si innamori della tua anima.

Sei un miracolo, sai,
sei un miracolo, per me,

puoi sorridere, lo sai ora, come fare...

*[song form]

Rossodannata: un nuovo progetto. Intimamente rosso, intimamente d'annata

Rossodannata. Un nuovo progetto musicale che ha preso il via dall'incontro tra due vecchi amici. Russu, membro fondatore dei punk rocker Totale Apatia e Dade, primo chitarrista della Hardcore band Nettezza Umana attualmente parte del progetto CDU (Cansòn de Usteria). Nel 2014 i due si ritrovano dopo essersi persi di vista dai primi anni del 2000 e nasce qualcosa di totalmente diverso da quanto entrambi fanno solitamente. Si tratta in questo caso di musica cantautorale intesa nel più ampio senso del termine; si mischiano le influenze punk rock care ad entrambi a musica e testi più riflessivi e meno impulsivi. Rossodannata... il nome del progetto suggerisce il calore di un gruppo di amici e il senso di libertà delle origini rock. Mi incuriosisce, perché conosco le imprese dei due fondatori e perché, conoscendo gli ottimi precedenti e sapendo che si parla di qualcosa di molto diverso, di un progetto nuovo sotto tutti gli aspetti, c'è molto da scoprire. Un giorno Russu e Dade si trovano con un po' di idee, bozze di canzoni che sarebbero rimaste sole e chiuse in un cassetto e cominciano a lavorarci; sentiamo da loro però, che cosa stanno combinando davvero:

Russu, Dade, avete origini musicali molto diverse da quanto state facendo ora; a quanto mi avete accennato il progetto è... cantautorale. Spiegateci meglio cosa state combinando... Quali sono le influenze musicali?

R: Ciao Lara, grazie per l’interessamento. Il progetto Rossodannata ha preso vita solamente qualche mese fa... per quanto mi riguarda venivo da un anno in cui mi ero già affacciato al panorama acustico, anche se sempre in chiave punk rock, proponendo cover di gruppi che mi avevano “formato”... da li la necessità , come capita da anni con i Totale Apatia, di scrivere e proporre pezzi originali... L’incontro con il Dade è avvenuto proprio durante una serata in cui suonavo con questo precedente progetto di cover; dopo anni che non ci si vedeva si sentiva nell'aria l’intento comune di proporre qualcosa di originale in questa versione acustica ci ha di fatto “riunito”, dando vita così a questo progetto cantautorale nel quale si raccontano storie e visioni personali di vita quotidiana su musica da noi composta. Le influenze che animano me in questo progetto vanno ricercate nella scena italiana di fine anni sessanta e settanta nella quale, in concomitanza coi movimenti politici e culturali del periodo, si diffuse ancora di più l'utilizzo della canzone da parte di alcuni cantautori per scopi politici e sociali. Per citarti alcuni nomi : De Gregori, Guccini, Rino Gaetano, Franco Battiato, Ivan Graziani e, a livello mondiale ovviamente Bob Dylan, anche se più vicini al mio modo di scrivere e di contenuti sono senz’altro i cantautori venuti dopo, quelli che ho potuto “vivere” anagraficamente parlando e che nei primi anni '80 hanno adattato la canzone d’autore a stili quali il Punk, lo Ska, il Rap , il Rock. Il primo Vasco Rossi, Alberto Camerini, Ruggeri, Jovanotti, Ligabue... e quelli che negli anni ' 90 hanno scelto invece una visuale più intimista che “socio-politica”. Dando uno sguardo ai giorni nostri potrei poi citarti grandi autori quali Davide Toffolo, Bugo, Pierpaolo Capovilla, Paolo Benvegnù, Giovanni Lindo Ferretti, Vasco Brondi, Edda...

D: Aggiungo come influenze musicali Vinicio Capossela, la Dixie e la musica classica. Bach, Mozart, Brahms ed Haendel per la maggiore. L'incontro con Russu è stato fortuito e provvidenziale per quanto mi riguarda, staccarmi da ciò che suono usualmente per suonare ed arrangiare brani grezzi che non siano stati pensati da me mi ha dato modo di alimentare (mea culpa) la mia megalomania compositiva. Lo reputo anche un'esercizio di stile se posso azzardare. Intendo: mettere in pratica quanto studiato fino ad ora e sottoporlo al giudizio di chi ha pensato e scritto quella canzone a prescindere dal genere nella quale verrà poi incanalata.

I testi. Avete reso noto che si tratta di testi un tempo chiusi nel cassetto e ripresi in mano per questo progetto. Quel che mi chiedo è: c'è un'idea comune, un filo conduttore, una volontà precisa, dietro a questi pezzi?

R: I testi che ho proposto io non danno troppo spazio a fantasie, sogni e utopie... e non sono nemmeno da troppo tempo chiusi in un cassetto in realtà. Direi che fotografano bene il mio ultimo anno di vita e in generale rivelano sentimenti che difficilmente riuscirei ad esternare diversamente. Come mia abitudine, un album nuovo è un po’ come aprire a caso una pagina di un diario personale e decidere di renderla pubblica.

D: Sono canzoni che parlano di vita quotidiana, di esperienze e probabilmente sottolineano un nuovo punto di vista o ne supportano uno. Personalmete non do troppo peso alle parole a meno che non sia io scriverle, vedo la voce come uno strumento ma mi piace pensarla così, un raccontare pezzi di vita... che sia stata vissuta o della quale vorremmo essere partecipi.

Ora a quanto so state registrando e lancerete ufficialmente il progetto con un primo ep giusto? e poi passerete ai live naturalmente. Cosa dobbiamo aspettarci?

R: Di norma, ci si incontra le prime volte, si tirano fuori le idee, si provano i brani all’infinito e poi si va a registrare. Nel nostro caso siamo partiti all’inverso! Grazie alle capacità del Dade con Logic ci siamo subito messi a registrare nel suo studio, a casa sua, a Soresina. L’idea era di un ep autoprodotto da usare come biglietto da visita... poi, una volta mixato il tutto al Phoenix Studio di Castelmella da Emilio Rossi, ci siamo resi conto che anche se i pezzi sono pochi (cinque più una ghost track) la durata effettiva è quella di un Album e non di un EP. Lo abbiamo intitolato “Oggi, Domenica”. Presenteremo il tutto con un primo evento alla Taverna delle Fate Ignoranti, a Quinzano d’Oglio (Bs, ndr), il 21 febbraio 2015 e da li si svilupperà poi un fitto calendario di date fino a questa primavera.

D: E' quello che ci chiediamo anche noi... ah ah ah ah

Russu, sei sempre stato un ottimo autore di testi, parlando ovviamente del tuo progetto con i Totale Apatia. I testi dei Totale Apatia non sono testi punk, nella maggior parte dei casi, sono testi che, secondo me, hanno in se un'impronta da cantautore, ma l'approccio in questo progetto qual è? scrivi i testi con la stessa lente, con la stessa visione con cui nascono i testi di un gruppo meticcio come i Totale o c'è qualcosa di diverso, un lato nascosto, se così lo vogliamo chiamare, che emerge qui, in Rossodannata?

R: Grazie! L’approccio con il quale scrivo è sempre più o meno lo stesso, da sempre... solo che , diversamente dal punk rock dei Totale Apatia, dove trovano spazio testi più morbidi e lessicalmente meno ricercati, a volte scanzonati come suggerisce la musica di fondo e forse più comunemente “volgari”, nei Rossodannata prevalgono testi più riflessivi, un po’ più impermeabili e ancora più personali, che si sposano sicuramente meglio con la versione semi-acustica e più intimista di questo progetto.

D: Si, un paio di testi li ho scritti io, uno, quello un po' più serio, "Ventricoli del Cuore" l'ho scritto come sfogo, avevo bisogno di qualcuno che mi ascoltasse ma c'era solo la bottiglia di Cabernet, che tra l'altro non dava segni di vita se non alcoolica; mi sono di conseguenza ritrovato a riflettere sul tempo che scorre e sul passato, sul futuro, sulle persone insomma, ero tra le mie nuvole. "Angelina" è uscita di botto, forse dedicata in qualche modo al nostro Russu che dopo aver visto un live dei Cansòn de Usteria, l'altro mio progetto, ha sottolineato il divertimento che ha provato nell'ascoltare alcune serenate che proponiamo, leggere e di facile ascolto. Ho cercato di ricreare quell'atmosfera.

Avete creato da poco una pagina fb dedicata al progetto. Due cose mi hannno subito colpito: la prima è la copertina di quello che sarà l'album. Una mano, una grezza mano che però, molto delicatamente accenna il simbolo per eccellenza di "rock 'n roll" e allo stesso tempo, cruda, sanguina per le spine di una dolce e intensa rosa rossa. Prima di tutto ci terrei a fare i miei pubblici complimenti all'autore dell'opera, Mattia Brena, ma al di la' di questo... continuiamo... Rosso, la scritta sopra, Dannata, la scritta sotto. Mi ha colpito molto e mi piacerebbe sapere qual è, per voi, il significato di quella copertina. La seconda cosa che mi ha colpito è l'immagine, con logo Rossodannata, scattata da Claudia Monterenzi e che ha elementi, per me, impossibili da non notare. Un divano, un mazzo di rose rosse e nere intrecciate, una chitarra a sinistra e un bicchiere di vino rosso a terra. Anche qui, quel che percepisco io è molto, ma voi? cosa vedete in questa immagine che avete scelto come primo segno identificativo del progetto insieme alla copertina...?

R: Partiamo con i ringraziamenti! Mattia Brena ci sta curando l’artwork del CD. L’immagine di profilo della pagina Facebook sarà, a parte piccoli cambiamenti, anche la copertina dell'album appunto. Il nome "Rossodannata" è nato semplicemente perché ad ogni prova beviamo sempre una buona bottiglia di vino rosso; dopo due bicchieri ci è venuta l’idea di scriverlo tutto attaccato, potendolo così interpretare anche come due parole distinte: “Rosso” e “dannata”. Il colore rosso per la passione che da sempre ci mettiamo e che a volte ci procura anche delle ferite che curiamo con la forza del rock... da qui le spine, la rosa e le corna. Claudia Monterenzi! La foto che ci identifica per ora sulla pagina è quella del set che avevamo scelto per fare degli scatti nello studio Montani a Verolavecchia (Bs – ndr). Il divano, la lampada accesa, la luce soffusa... danno un senso di distensione, rilassatezza e quiete a cui si aggiungono la familiarità di una chitarra e di un bicchiere di vino rosso, che possono rivelare il modo in cui ci siamo ritrovati io e Dade dopo tutti questi anni.

D: E' intimo, personale ma vuole anche farsi sentire, quella chitarra che ti fa compagnia in solitudine o accompagna le serate con gli amici e per quanto riguarda il vino beh, son tutte proteine, quasi un pasto completo ah ah.

Ok, per ora ci avete spiegato "cosa state combinando". Ora la domanda è: cosa combinerete? eventi, live, progetti per la crescita di questo nuovo duo? a cosa state pensando e cosa farete prossimamente?

R: A breve realizzeremo il videoclip del primo singolo scelto, vale a dire “La nave” che vorremmo mettere online il 9 febbraio in modo da promuoverlo in tempo per le prime date live. Partiremo da Quinzano il 21 febbraio e porteremo in giro per il centro e nord Italia i nostri brani più alcune cover punk riarrangiate a nostro modo, fino almeno a questa primavera; così poi entrambi possiamo tornare a dedicarci rispettivamente ai Totale apatia (nuovo album e nuovo tour) e ai Cansòn de Usteria. Speriamo comunque che questa sia solo la prima tappa di una continua futura collaborazione e che non passino poi altri dieci anni prima di ritrovarsi!

D: Magari un'altro disco...

Ultime parole per chiudere. Dite voi qualcosa, qualsiasi cosa vi passi per la testa.

R: Per restare anche in tema Totale... da “Penombra”: “I MATTI SIETE VOIIIIIIII!!!!!!”. Ciao Lara, grazie a te e al Cammino per questa chiacchierata!

Buon tutto ragazzi e come sempre, spaccate!

Rossodannata fb page

George Gershwin: la genialità innata

George Gershwin nasce a Brooklyn nel settembre del 1898. Fin dal quando era piccolo, a soli dieci anni, comincia a mostrare interesse per la musica, inziando a suonare il pianoforte senza aver mai studiato musica, seguendo solo ciò che l'istinto lo portava a fare. Così è nato il suo genio musicale, da quel momento, in cui ha deciso di provare a premere quei tasti bianchi e neri che così tanto lo affascinavano. Forse era rimasto affascinato dal tentativo della sorella Francis di avere una carriera musicale. Frances aveva cominciato a guadagnare qualche soldo con il canto e il ballo, ma lasciò dopo non molto, perché al tempo ancora non era ben accetto che una donna, sposata, si dedicasse ad attività creative e ricreative. Fatto sta che il piccolo Gershwin, da quel momento, inizia a diventare... il grande Gershwin. La musica di Gershwin è conosciuta a milioni e milioni di persone in tutto il mondo. Molte persone ascoltano un pezzo, ne restano incantati e magari non sanno che è suo e... magari non sanno che quel tal pezzo, reinterpretato come è spesso accaduto da miriadi di eccellenti artisti, è proprio suo, viene dal suo genio, perché di genio si tratta. Gershwin affermò che gli piaceva pensare alla musica come a una scienza emozionale; Gershwin compose, nella sua testa, la grande e famosissima “Rapsody in Blue” (1924), mentre ascoltava i ritmi e i rumori metallici del treno che lo stava portando a Boston. Quando la consegnò ai suoi collaboratori e colleghi, per lui ancora incompiuta, tutti si misero a lavoro e Ferde Grofé, compositore e orchestratore, si occupò subito dell'orchestrazione del brano. Lui... lui che voleva ultimarla, perfezionarla, immaginate il momento, tutti a lavoro perché l'opera fosse orchestrata al meglio e lui ancora lì, a ritoccare, a rivedere, a perfezionare. Il direttore d'orchestra, Paul Whiteman, a cui Gershwin aveva consegnato l'opera al suo arrivo però aveva dato il via alle prove e rimase allibito quando comprese che Gershwin avrebbe voluto migliorarla ulteriormente. Si domandava come avrebbe potuto, migliorare qualcosa di già così grandioso. L'opera dunque rimase come era stata consegnata al direttore ed è tuttora quella che la sua mente aveva composto, dall'inizio alla fine, durante un viaggio in treno per Boston. Riuscite a immaginare quel momento? Io ci provo, con tutte le forze, cerco di immaginare cosa gli passasse per la testa, sul treno, sceso dal treno, mentre si affannava per ritoccare il brano ed ultimarlo per come lo voleva lui. Quel momento, in cui i rumori metallici gli hanno dato l'ispirazione per creare un capolavoro di tale portata. Meraviglioso. Semplicemente meraviglioso. Andiamo avanti però... Gershwin che spazia dalla musica colta al jazz, fino al blues e al musical e Gershwin che diventa l'iniziatore, del musical americano. Gershwin che non nasce George, bensì Jacob e nasce da due emigrati ebrei: il padre, Moishe, cambiò il suo nome in Morris Gershwin qualche tempo dopo essere emigrato da San Pietroburgo e quattro anni più tardi conobbe Rose Bruskin, ebrea russa, che sposò e con la quale diede vita a quattro figli, tra i quali Jacop, appunto. Il nome, Jacob, lo cambiò quando divenne un musicista professionista (chissà perché? Era già un bel nome Jacob, forse a lui non "suonava" bene). Ha scritto la maggior parte delle sue opere vocali e teatrali in collaborazione con il fratello maggiore e paroliere Ira Gershwin. Gershwin... che nel 1928, nel periodo europeo, compone “Un americano a Parigi”, Gershwin che nel 1935 compone il musical “Porgy and Bess”... ed è qui, in realtà, che volevo arrivare. “Porgy and Bess” ebbe un grande successo, ma fu inizlamente percepita dalla comunità nera del tempo come un'opera offensiva, addirittura razzista. La descrizione della vita degli afro-americani che nell'opera appariva, non piacque per niente alle Black Panters in lotta per i diritti dei loro fratelli, ma fu tutta una grossa incomprensione sostanzialmente. Gershwin si era ispirato nella composizione dei brani per il musical a pezzi spiritual quali “All My Trials”, che negli anni '50 e '60 divenne uno degli inni dei movimenti di protesta; e si ispirò anche alla sua esperienza artistico-musicale così complessa, una fusione di tradizione operistica dell'Est europa, musica afro-americana, musica ebrea russa. “Summer time” - una ninna nanna che Clara, uno dei personaggi della celebre opera teatrale, canta al suo bambino - fu ispirata per esempio da diversi brani e sonorità: il sopra citato “All My Trials,” “Sometime I Feel Like a Motherless Child” (un brano che risale ai tempi della schiavitù, tempi in cui era pratica comune vendere i figli degli schiavi) e.... ninne nanne appunto: si parla in particolare di una ninna nanna russa e di un'altra ninna nanna, quest'ultima di origine ucraina. "Porgy and Bess" fu tratto dal racconto “Porgy” di Edwin DuBose Heyward, paroliere anch'esso dei testi insieme ad Ira. "Summertime" è certamente uno dei brani più famosi dell'intera opera e la cosa fenomenale non è solo che è stata interpretata da grandi talenti dela musica quali Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Billie Holiday, Chet Baker e Mahalia Jackson... Fu proprio Billie Holiday a portarla in classifica per la prima volta con la sua versione del 1936, ma ciò che risulta essere grandioso... è che la potenza di questo brano ha portato al concetto per il quale, al di la' dell'intento o del significato iniziale, un brano musicale possa assumere significati altrettanto grandiosi anche in epoche successive, molto più recenti e in riferimento a fatti storici completamente diversi. Parlo qui di Janis Joplin... che la urlava, con rabbia, al mondo intero, mentre la guerra del Vietnam esasperava i popoli coinvolti. La gridava al mondo, appena dopo l'assassinio di Martin Luther King e Kennedy, quando americani bianchi e neri, insieme, si scontravano la polizia in segno di protesta, mentre gli agenti del tempo intossicavano i manifestanti con il gas Mace sotto le telecamere di tutto il globo, mentre c'erano arresti per l'assalto alla Convenzione Democratica di Chicago, mentre i leader della protesta – in particolare - furono arrestati con le accuse pesantissime di incitazione alla violenza e cospirazione e assolti, quattro anni dopo, con la motivazione che erano stati violati i diritti di difesa. Summertime è stata tradotta in molte lingue ed anche in italiano dai Dalton – anche se a parer mio in questa versione perde purtroppo tutta la sua potenza e il significato del testo è parer mio violato e svuotato (con tutto il rispetto per i Dalton... di questi utlimi, se vi interessa sapere chi sono – vi segnalo un brano interessante. "Idea d'infinito", quello si che è un bel pezzo). Gershwin compose più di settecento brani, fino a che nel 1937 comiciò ad avvertire i sintomi di un tumore al cervello che lo portò alla morte lo stesso anno, dopo essersi accasciato al suolo sul set di The Glodwin Follies, un film del 1938 di cui stava curando le musiche. Morì al Cedars of Lebanon Hospital a seguito di un intervento di unrgenza. Pochi mesi dopo, il suo idolo, Joseph Maurice Ravel (compositore del celebre "Boléro, per intenderci), morì anchesso, durante un intervento simile al cervello. "Summertime". Vi propongo qui la versione originale di Jacob (mi piace poterli chiamare con il loro nome), la versione di Ella Fitzgerald e infine, la versione di Janis Joplin. Buon ascolto... e buona lettura della traduzione - scritta poco fa - che spero renda giustizia all'intensità del testo originale.

Summertime (Estate)

Estate...
e la vita è semplice,
i pesci saltano
e il cotone è alto.
‎
Tuo padre è ricco,
Tua madre ti guarda con amore,
quindi silenzio, piccolino,
non piangere.
‎
Uno di questi giorni
Ti sveglierai cantando,
poi spiegherai le ali
e ti guadagnerai il cielo.‎

Fino a quella mattina però,
nulla potrà farti del male,
con la tua mamma... e il tuo papà.

Billie Holiday: "Desiderando... sulla Luna"

Billie Holiday, 1915/1959. Stavo pensando alla tragicità della sua vita. Stavo pensando a quanto tutte le sue terribili tragedie si sentissero, nella sua voce. Nel 2009 Adriano Mazzoletti (giornalista, scrittore, conduttore radiofonico, produttore discografico considerato uno dei padri della diffusione della musica jazz in Italia - che comunque in Italia era giunto già nel primo decennio del novecento ed ha continuato ad essere presente, negli anni '20 e '30) scrisse che "...si imponeva per la sua voce intensamente drammatica, per la capacità di "volare" sul tempo e per l'emozione che sapeva trasmettere anche su testi a volte banali...". Stasera stavo ascoltando "I Wished on the Moon" un pezzo composto da Ralph Raiger (pianista e compositore nato a New York nel 1901 e morto prematuramente in un incidente aereo nel 1942) con un testo scritto da Dorothy Parker (scrittrice di racconti brevi, poeta, critica, autrice satirica - nata nel New Jersey nel 1893 pubbicò il suo primo racconto breve su "Vanity Fair" nel 1914. Morì a New York, nel 1967). Il pezzo fu inciso per la prima volta da Ruth Etting, una cantante/attrice attiva soprattutto negli anni '20 e '30 e fu proprio questo pezzo uno dei brani fondamentali all'inizio della sua carriera poiché arrivò così al grande pubblico. Reinterpretò "I Wished on the Moon" con l'accompagnamento del pianista Teddy Wilson nello stesso anno in cui lo stesso era stato inciso per la prima volta. Prima di quel momento Billie aveva inciso due dischi dopo essere stata notata dal produttore che l'ha lanciata, Jhon Hammond, ma entrambi erano passati inosservati. Hammond però continuò a credere in lei e le procurò un contratto con Wilson appunto, per l'incisione di alcuni pezzi con etichetta Brunswick. Torniamo però un attimo alle vicende della sua vita, giusto per rendere l'idea a chi non la conosce così a fondo o per nulla. Il suo vero nome era Eleanora Fagan. Eleanora nacque dall'incontro amoroso tra il sedicenne Clarence Holiday (suonatore di banjo) e la tredicenne Sadie Fagan (ballerina di fila). Suo padre non si occupò quasi mai di lei e fin dall'infanzia si trovò lontana dalla madre che l'aveva affidata alla cugina (a Baltimora) mentre lei lavorava a New York come domestica. A dieci anni fu stuprata e in seguito tentarono di violentarla altre volte. Ancora piccola raggiunse la madre a New York e cominciò a prostituirsi in un bordello clandestino di Harlem e arrotondava pulendo gli ingressi delle case nel quartiere, compeso l'ingresso del bordello. Alla proprietaria del bordello però non faceva pagare e in cambio lei gli lasciava ascoltare i dischi di Louis Amstrong e Bessie Smith sul fonografo del salotto. Quando le autorità scoprirono il bordello, Eleanora fu arrestata e condannata a quattro mesi di carcere. Uscita dalla prigione, per evitare di tornare alla prostituzione, iniziò a cercare lavoro come ballerina nei locali notturni. Non sapeva ballare, ma fu immediatamente assunta da un locale quando la sentirono cantare. Fu così che iniziò, all'età di 15 anni. Dopo non molto le colleghe del locale iniziarono a chiamarla "Lady" dunque "Signora" perché rifiutava le mance solitamente infilate dai clienti tra le cosce delle donne che si esibivano. A diciotto anni, Hammond la notò ed iniziò la vera e propria carriera musicale. Le sue pene però non finirono qui e anche se musicalmente la sua carriera prese il volo, ebbe ancora da affontare due matrimoni brevi e turbolenti e il colpo avuto con la morte della madre. In quel momento iniziarono i problemi con la droga e l'alcool e nel 1959, a soli 44 anni, morì per le complicazioni dovute alla cerrosi epatica. La Holiday (il suo nome d'arte nasce dal nome d'arte del padre musicista noto come "Holiday" e dalla stima nutrita per l'attrice Billie Dove) incise altre versioni di "I Wished on the Moon", tra le quali la seconda versione del 1957, introdotta nell'album "Songs for Distingué Lovers". Ascoltando la prima versione del '35 e la seconda del '57 anche un orecchio poco intenditore percepisce immediatamente quanto siano diverse. E' diversa la musica ma ciò che colpisce di più è l'interpretazione che Lady Holiday ha dato al testo... Ascoltando la versione del '35 si sente un dolore disperato, l'affanno, il respiro che c'è e che manca... Nella versione del '57 invece - questo è ciò che sento io nell'ascoltarle ovviamente - sembra quasi che la Holiday prenda in giro il suo dolore, è talmente esausta che nella sua voce si sente un dolore a cui lei sembra sputare in faccia, quasi come se oramai non avesse più speranze di essere veramente felice. Chissà, forse è questo che l'ha portata alla morte... a un certo punto era talmente esausta che si è rassegnata a soffrire sempre, il dolore già terribile è diventato anche autodistruzione e lì, Eleanora, è morta definitivamente... anni prima della sua morte fisica. E dopo queste riflessioni, mentre penso a tutto quel dolore, a tutto... quel ... dolore... vi propongo l'ascolto delle due versioni del pezzo e una mia traduzione (non letterale, sarebbe troppo scontato) del testo di "I Wished on the Moon", testo che - per come lo interpreto io - le si appiccica addosso come se fosse stato scritto per lei.

"I Wished on the Moon" - "Desideravo sulla Luna"

Esprimevo desideri alla luna, per qualcosa che non ho mai conosciuto...

Desideravo sulla luna... per più di quanto io abbia mai conosciuto...

Una rosa più dolce, un cielo più morbido,
un aprile in cui i giorni smettono di danzare via...

Esprimevo desideri alle stelle,
che mi gettassero giù un fascio di luce o due.
Le pregai, chiedendo loro... un sogno o due.

Ho cercato ogni bellezza, tutto si è avverato...
Esprimevo desideri alla luna, per voi.

Esprimevo desideri alla luna, per qualcosa che non ho mai conosciuto...

Desideravo sulla luna... per più di quanto io abbia mai conosciuto...

Una rosa più dolce, un cielo più morbido,
un aprile in cui i giorni smettono di danzare via...

Esprimevo desideri alle stelle,
che mi gettassero giù un fascio di luce o due.
Le pregai, chiedendo loro... un sogno o due.

Ho cercato ogni bellezza, tutto si è avverato...
Esprimevo desideri alla luna. Per voi.

 

 

"Dehors"

"Dehors", estratta da "Di fuori", p. 129 "Punti senza fine"

"Casta Diva", una preghiera alla Luna

Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini

"Casta diva" è l'aria più famosa della "Norma" di Vincenzo Bellini ed è stata interpretata per la prima volta nel 1831 dalla mezzosoprano e soprano Giuditta Pasta, proprio in occasione della prima assoluta dell'opera. La "Norma" è un'opera in due atti tratta dalla tragedia "Norma" o "L'infanticide" di Louis-Alexandre Soumet che si ispirò a sua volta al mito di Medea. Il testo dell'intera opera di Bellini è del librettista, poeta e critico musicale Felice Romano, compresa - appunto - la meravigliosa poetica di "Casta diva". Si tratta di un brano nel quale la sacerdotessa gallica eleva una preghiera alla Luna ed è una poesia  a dir poco eccezionale. Nelle parole come nella musica, tanto che il compositore parigino Fromental Halévy, dichiarò che avrebbe barattato tutta la sua musica per quest'aria. Fu composta inizialmente in Sol maggiore per poi essere abbassata di un tono, a Fa maggiore, quando Giuditta Pasta la giudicò troppo acuta; modifica che comportò non solo cambimenti melodici, ma anche modifiche strumentali da parte di Bellini. Di seguito i versi meravigliosi del testo e il video della "Casta Diva" interpretata da Montserrat Caballe.

"Casta Diva che inargenti
Queste sacre antiche piante,
A noi volgi il bel sembiante
Senza nube e senza vel.

Tempra o Diva,
Tempra tu de' cori ardenti,
Tempra ancor lo zelo audace,
Spargi in terra quella pace
Che regnar tu fai nel ciel."